Entrevista en CiberCuba por Carlos Cabrera Pérez. Suset Sánchez: El Decreto 349 dinamita el arte en Cuba

16 años después de haber salido de Cuba, no deja de entristecerme que los recién egresados del ISA, de San Alejandro o de la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de La Habana, continúen intentando salir del país por cualquier vía, ya sea una beca, un contrato de trabajo, a realizar cualquier proyecto que saben es un billete de ida sin retorno. Eso demuestra que la crisis de la sociedad cubana actual no da respuesta a las expectativas profesionales y de vida de las jóvenes generaciones, que siguen imaginando cualquier futuro posible, por incierto que sea, en la diáspora. Desde mi corta experiencia y sin ánimos de dar consejos, solo puedo decir que es imprescindible, en medio de las miles de estrategias de sobrevivencia que hay que inventarse en una tierra ajena, muchas veces hostil, a expensas del racismo, la xenofobia, discriminaciones varias y soledades múltiples, tratar de comprender cómo funciona el sistema y buscar en él aquellas grietas o fisuras a través de las que las subjetividades y los cuerpos migrantes podemos penetrar e ir ocupando espacios de visibilidad y empoderamiento.

Entrevista en Rialta Magazine por Solveig Font. Estar aquí ahora #4: Suset Sánchez

¿Cuál es la principal lección que el mundo del arte debería aprender de todo esto? ¿Cómo te imaginas el mundo del arte pospandemia?
No sé si el mundo del arte, tal como está estructurado en su atávica concepción moderna, con instituciones y ordenamientos que han prolongado un tipo de institucionalidad y mercado que responde ciegamente a la lógica del capital, esté en condiciones de poder aprender alguna lección de las actuales circunstancias, resultado de los propios excesos del sistema. La industria de la cultura ha sido uno de los pilares del modelo geopolítico global que ha sustentado la gobernanza y funcionamiento de los diferentes campos de la sociedad contemporánea. De hecho, los principales eventos y circuitos para la circulación del capital y los agentes del campo del arte contemporáneo a escala mundial –léase ferias, bienales, museos con franquicias, etc.– replican, o son parte esencial, del complejo deslocalizado de la sobremodernidad. La industria de la cultura es uno de los soportes básicos del turismo global; la comprensión que se hace hoy del patrimonio cultural de las ciudades está enfocada a ese turismo y a todas las industrias y servicios subsidiarios del mismo. Habiendo tantos intereses económicos y políticos de por medio es difícil pensar que haya voluntades comprometidas con un cambio de las políticas culturales que tienen sus efectos en las esferas públicas y privadas del sector cultural.

Nonardo Perea: Contra la normalidad y la norma

En un tiempo donde la construcción de la sociedad civil cubana puja por ganar espacios de visibilidad cada vez más legítimos y plurales, el artivismo de Nonardo Perea en las redes sociales constituye un ejemplo elocuente y creativo harto sugerente sobre las muchas maneras en que la ciudadanía se está auto-organizando para exigir derechos políticos y sociales de todo tipo que conduzcan a una real transición en la Cuba del siglo XXI.

Miguel Ángel Salvó: Conversaciones en el intervalo de la pintura

La visión es impelida a una deriva sobre el lienzo en la que emergen relaciones sintácticas y discursivas; pero sobre todo, ahí aflora el proceso mismo a través del cual se despliega nuestra percepción como una forma de mirar el cuadro, pero en la que básicamente se declara una personal manera de estar y habitar este mundo complejo y sobresaturado de ilusiones vagas. Quizás por ello regresa Salvó a la vanitas del Barroco para hablar de una fragilidad primordial. En vez de aprehender las imágenes, lo sensato sería desaprender lo que conocemos de ellas y así desconfiar de sus engañosos cantos de sirena.

¿Y si Tresaco fuese una feminista negra?

Hay cierto tipo de imágenes que recorren transversalmente la obra de Tresaco. La persistencia del cuerpo de una mujer negra en estas representaciones, unido al juego de identidades autorales que supone en el trabajo de este artista el uso recurrente de distintos heterónimos, podría hacernos sospechar que la interpelación de esa figura femenina se articula también dentro de un espacio especular sobre la definición de la voz del sujeto creativo.

La soga y el trapecista. Dialogando sobre arte cubano y crítica en los noventa

Bajo la edición del historiador de arte cubano Danilo Vega, el libro La soga y el trapecista. Dialogando sobre arte cubano y crítica en los noventa recorre la historia del arte cubano contemporáneo producido en los años noventa. A través de un conjunto de entrevistas a relevantes firmas que estuvieron a cargo del discurso de la crítica de arte en esa década en publicaciones nacionales y catálogos de exposiciones internacionales, el volumen analiza diversos lenguajes, temas y problemáticas que configuraron el campo del arte contemporáneo cubano y los imaginarios simbólicos de la isla en una década que amplificó la circulación del arte cubano a escala global tras el colapso del socialismo en Europa del Este.

Genealogías curatoriales: 26 comisarios/as en diálogo

Editado por el filósofo Xavier Bassas, el libro Genealogías curatoriales: 26 comisarios/as en diálogo intenta aproximarse a cuestiones relacionadas con la práctica del comisariado, tales como ¿Qué es un comisario? ¿Qué puede y qué no puede hacer? ¿Qué figura asume cuando trabaja en una exposición? ¿En qué lugar debe y no debe situarse frente a la política de las instituciones y su mercado, frente a la diversidad de artistas, la Historia del arte, la crítica, el público o la cultura en general? ¿Qué voz y qué cuerpo adopta en su práctica curatorial? Este libro pone en diálogo a 26 comisarias/os actuales con la intención de plantear preguntas y respuestas que, desde distintas perspectivas, profundicen en la función del comisario en el contexto del campo del arte contemporáneo y la sociedad actual.

Pan fresco. Textos críticos en torno al arte cubano

Coeditado por Henry Eric Hernández y Clemens Greiner ya se encuentra disponible en librerías el libro compilatorio Pan fresco. Textos críticos en torno al arte cubano. El volumen reúne una serie de ensayos donde se abordan las relaciones entre la política cultural del Estado y las nuevas formas de gestión autónoma del arte cubano contemporáneo. El desempeño de la crítica respecto a las demandas curatoriales y discursivas del ámbito artístico y la discusión en torno a asuntos como diáspora, raza, censura, mercado, género, espacio público, autoritarismo y activismo articulan una reflexión que busca repensar nociones como insularidad, identidad y utopía, recurrentes en el discurso crítico cubano sobre las artes visuales en Cuba a fines del siglo XX.

"Mario Merz. El tiempo es mudo" en La aventura del saber, programa de la 2 de RTVE

El Museo Reina Sofía presenta ‘El tiempo es mudo’, la retrospectiva más completa realizada en España hasta la fecha dedicada al artista Mario Merz, uno de los grandes referentes del arte povera. La exposición ofrece un recorrido por las distintas vertientes del trabajo de Merz a través de una selección de más de medio centenar de piezas que atraviesan toda su trayectoria.

La ciudad letrada termina en un callejón del Cerro: Luis Manuel Otero en su propia cárcel

La práctica creativa de Luis Manuel Otero Alcántara ha devenido en un permanente termómetro de las expectativas, ansiedades y frustraciones de los sectores más vulnerables de la población cubana en un escenario histórico incierto, que en la última década ha experimentado rotundos cambios y que ha mantenido al pueblo cubano oscilando como un péndulo cuyo hilo puede cortarse en cualquier momento, haciendo que se precipiten todas las esperanzas de un futuro mejor.

Seminario “Políticas de archivo: En torno al proceso creativo, el estudio del artista y la administración del legado y la producción artística”. Máster Universitario en Producción y Gestión Artística · Facultad de Bellas Artes · Universidad de Murcia. Del 3 al 7 de febrero de 2020

A partir del análisis de varios casos de estudio reales, este seminario teórico-práctico pretende introducir a los estudiantes en las problemáticas que supone la concepción de un archivo de las prácticas y los procesos artísticos. ¿Cuándo archivar, cómo, qué, por qué, para quién? Esas son preguntas fundamentales que suelen pasarse por alto en las dinámicas cotidianas de la creación y en los estudios de los artistas. Aunque en el presente hay cada vez mayor consciencia sobre la importancia de la acción y el gesto de documentar todos los procesos, materiales, circunstancias y experiencias que rodean la creación contemporánea, los límites de los propios lenguajes documentales y la rapidez con que se acumula información sobre el artista y su práctica, dificulta cada día más la gestión de tan ingente volumen de datos, imágenes, vídeos, textos, etc. De ahí la relevancia de adquirir herramientas y protocolos de gestión documentales que faciliten las labores de archivo, y especialmente que el artista comprenda el valor de ese material y del acto mismo de archivar, así como del archivo en sí en tanto concepto y lugar para la protección del patrimonio artístico.

Conferencia Políticas del archivo entre el estudio del artista y la esfera pública. Facultad de Bellas Artes, Universidad de Murcia. 4/02/2020

Desde una ficha técnica hasta la descripción de montaje y los planos de una instalación, junto con las imágenes de las obras y sus diferentes emplazamientos en distintos contextos expositivos, hasta los registros de la construcción de la obra en sí, los statements, el diálogo y correspondencia con comisarios y otros agentes del campo del arte contemporáneo, los registros de una experiencia… Todo se convierte en un potencial objeto de estudio en las políticas de archivo para entender y aproximarnos al trabajo de los artistas. En el archivo se condensa el pasado, el presente y el futuro de una obra de arte o de un proyecto artístico y sus posibilidades como objeto de estudio historiográfico o como materia de interés para el comisariado.

Miguel Ángel Salvó en la encrucijada de la pintura

La naturaleza de accidente del cuadro es referida por Miguel Ángel Salvó al hacer uso del concepto de “pentimento”, es decir, aquellas alteraciones en una obra que ponen en evidencia los sucesivos cambios en la idea de un cuadro que experimenta el artista en su proceso creativo y sobre el contenido y la forma misma de lo que representa. Esos “arrepentimientos” en los que se traducen las incertidumbres de la creación y del pensamiento artístico en lo relativo al lenguaje propio de la obra, a sus contenidos y al modo en que el artista en tiempo real atraviesa el desasosiego de la creación en consonancia con la percepción de un determinado objeto estético y de la realidad.